Kino Schöne Enkel, schrille EnkelSeite 2/2

Ganz still, wie nach einem Aufprall oder einer großen Erschütterung, blieb das dreitausend Zuschauer fassende Kino des Palais du Festival auch nach einem Film, der gleich zu Beginn die Tonlage für einen wagemutigen Wettbewerb setzte. In Vier Monate, drei Wochen und zwei Tage erzählt der junge Regisseur Cristian Mungiu von zwei Studentinnen, die im spätkommunistischen Rumänien eine illegale Abtreibung vorbereiten. Von Anfang an erzeugen seine Bilder eine fast physisch erfahrbare Gegenwart des sozialistischen Alltags. Lange Einstellungen ziehen den Betrachter in eine Welt hinein, deren Existenz man fast vergessen hätte. Gemeinsam mit den Studentinnen geht man durch das Wohnheim, in dessen abgerissenen Fluren man die scharfen Putzmittel zu riechen glaubt. Minutiös registriert die Kamera jede Etappe: die Buchung des schäbigen Hotelzimmers, das Ausleihen des Geldes, das Treffen mit dem Engelmacher, die quälend genaue Besprechung des Eingriffs. Als der Kurpfuscher statt des vereinbarten Geldes von den beiden jungen Frauen Sex verlangt, erschließt sich das ganze Ausmaß ihres Ausgeliefertseins.

Vier Monate, drei Wochen und zwei Tage wirft ethische Fragen auf, indem er Menschen in eine Situation folgt, in der sie keine Möglichkeit haben, solche Fragen zu stellen. Die drohende Bestrafung schwingt in den Passkontrollen mit, liegt in den misstrauischen Blicken der Milizionäre, in den Schikanen der sozialistischen Hotelbürokratie. Und der Film stellt sich seinem Thema bis zur letzten Konsequenz. In einer etwa zehnsekündigen Aufnahme ist der Fötus zu sehen, halb eingewickelt, auf den Fliesen des Hotelbadezimmers. Es ist, wenn es so etwas gibt, eine objektive Kameraeinstellung. Sie überlässt dem Zuschauer ein Bild, das er ganz allein, ohne moralische oder emotionale Gebrauchsanweisung aus dem Kino mitnehmen muss.

Solchen Anweisungen hat sich der österreichische Regisseur Ulrich Seidl schon immer, manchmal bis zur Provokation verweigert. Auch er richtet seine Kamera auf das, was man nicht unbedingt sehen will, aber so zwingend, dass man nicht mehr wegschauen kann. In Import/Export folgt Seidl zwei gegenläufigen Wanderungsbewegungen durch ein Europa der winterlichen Endzeit: Einen jungen Arbeitslosen führt ein Job von Wien in die Ukraine, wo er kein Geld, aber vielleicht zu sich selbst findet. Eine ukrainische Krankenschwester flüchtet vor der Kälte und Armut in ihrer Heimat nach Österreich und wird Putzfrau in einem Wiener Altenhospiz. Es gibt in diesem Film vieles auszuhalten: Internetpornografie, unvorstellbar vermüllte Hochhaussiedlungen in der Ukraine, Menschengerippe, die bis zum Ableben in ihren Hospizbetten verwahrt, gefüttert und gewindelt werden. Aber im Umgang mit seinen Figuren wahrt Seidls Film eine große Zuneigung. Zart ist die Freundschaft zwischen der Ukrainerin und einem alten Mann im Hospitz, der ein wenig Russisch spricht. Vorsichtig sind ihre Berührungen beim Schrubben seines Bettes. Und wenn der junge Österreicher am Ende auf einer ukrainischen Autobahn ins Nirgendwo trampt, hat sich seine Flucht auf kaum merkliche Weise in einen Aufbruch verwandelt.

Im Grunde waren es zwei Filme, die diese bisher begeisternde Jubiläumsausgabe auch zu einer Feier der Extreme werden ließen: Ulrich Seidls Import/Export , der eine donnernde Stille hinterließ. Und Quentin Tarantinos Death Proof, ein Film, der so laut ist, dass man danach sowieso nichts mehr hört. In dieser liebevollen Hommage an die Thriller und Slasher-Filme der siebziger Jahre steigert sich Tarantino in eine Orgie aus Pop-, Film- und Musikzitaten. Kurt Russell spielt einen Serienkiller, der mit seinem gepanzerten Auto junge Frauen umbringt. Doch er hat nicht mit den drei sexy Racheengeln gerechnet, die ihm eines Tages in einem weißen Dodge Challenger Baujahr 1970 über den Weg fahren. Für Death Proof hat Tarantino eine echte Stuntfrau zur Hauptdarstellerin gemacht, und seine stahlkrachenden Autojagden geben dem Actionkino eine Materialität und Lebendigkeit zurück, die man durch die computergenerierten Bilder fast verloren glaubte. Death Proof ist nostalgisches Kino, das nach vorn stürmt in einen zeitlosen Kinoraum, in dem alles Platz hat: Siebziger-Jahre-Songs und Hotpants, modernste Handys, die italienische Vogue und das B-Movie-Gefühl der texanischen Provinz.

In Sachen Eklektizismus ist Death Proof sozusagen der paradigmatische Festivalfilm dieses Jahrgangs. Denn genau das ist ja das Sympathischste an der alten Dame Cannes: Sie empfängt gediegene Gäste und reiche Verwandte, hat aber auch eine große Schwäche für Durchgeknallte und Exzentriker. An ihrem runden Geburtstag hat sie die Ehrenplätze der Festtafel jedenfalls wieder für ihre schwierigsten, streitsüchtigsten, schrillsten und radikalsten Enkel reserviert.